Arte e Arti

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Le sezioni della mostra

1. La Natura madre
   Tra il XII e il XIII secolo ha luogo un’epocale trasformazione culturale: si struttura il ceto borghese, si afferma l’autogoverno dei liberi comuni e nascono le prime università. In questo processo si inserisce il pensiero di Francesco d’Assisi, che per la prima volta dà “del tu” agli elementi naturali e ne riconosce la dignità. Gli artisti cominciano a guardare con occhio nuovo alla realtà, cercando di coglierne le specificità. Si affermano temi iconografici in cui la natura è descritta nelle vesti di una madre generosa, come i cicli dei Mesi, che associano lo scorrere delle stagioni al lavoro umano. Nelle imponenti versioni scultoree, come quella della cattedrale di Ferrara, o nelle ridotte proporzioni della miniatura, i Calendari celebrano l’operato di “nostra matre terra, la quale ne sustenta et governa”. La tendenza all’astrazione simbolica è incalzata da un approccio analitico sempre più consapevole, che matura in epoca tardogotica, quando l’arte diviene vero e proprio strumento di conoscenza della natura, anche in relazione ai progressi conseguiti in campo medico e alla comparsa dei Tacuina sanitatis, i primi prontuari illustrati di igiene.
2. La Natura impossibile
   La civiltà tardogotica insegue “il sogno di una vita più bella”. L’arte dà vita a una natura “favolosa”, impossibile nella sua perfezione, decretando la fortuna duratura di soggetti quali il Giardino delle delizie. In chiave sacra il tema è interpretato come hortus conclusus, di cui è emblema la Madonna del roseto di Michelino da Besozzo, o come Giardino del Paradiso, sfolgorante nel Giudizio Universale di Beato Angelico, e popolato di fauna e flora coloratissime nei piccoli rami di Jan Brueghel e del figlio. Alcuni artisti sono dominati da una fantasia immaginifica tutta speciale. Ne è esempio Paolo Uccello nel ‘Luna-Park’ eremitico della sua Tebaide, in cui il rapporto tra misticismo e vivere sociale è interpretato dall’eccentrica resa degli elementi naturali. In alcuni casi è l’iconografia a giungere in supporto degli artisti nel consentire un approccio più disinibito alla rappresentazione del creato, con l’espediente del sonno che genera sogni, o dell’estasi che produce visioni. Un rigoroso classicista come Annibale (o Agostino?) Carracci, nella Visione di sant’Eustachio, si scosta quindi dal paesaggio ideale tipico di questa corrente, per concedersi insolite asprezze. L’Hypnerotomachia  Poliphili (Battaglia d’amore in sogno di Polifilo) sancisce in pieno Umanesimo la riconciliazione definitiva dell’uomo con il mondo sensibile e in un percorso di cui è metafora il viaggio immaginario del protagonista in mondi di pura invenzione, ricolloca la più alta delle creature nella dimensione materiale, di cui la natura è massima estensione.
3. La Natura come spazio dell’uomo
   In contrapposizione all’arte medievale, sintetica e simbolica nella rappresentazione dello spazio naturale, il realismo di Giotto, basato sull’esperienza empirica, si prefigge uno scopo illusionistico, dando figurativamente corpo agli elementi del creato. Partendo da queste premesse, la prospettiva lineare a punto di fuga centrale, teorizzata nel Quattrocento da Alberti, Piero della Francesca e Pacioli, apre le porte all’arte del Rinascimento, vivificata anche dall’approccio lenticolare alla realtà dell’arte fiamminga e preludio alla visione classicista della natura espressa da Perugino, esaltata da Raffaello e i suoi seguaci, rinnovata nel Seicento dai classicisti emiliani, tra i quali Annibale Carracci e Domenichino. Parallelamente, la curiosità scientifica nei confronti del mondo naturale e gli studi sul ruolo dell’atmosfera nella propagazione della luce e nei meccanismi di percezione dei colori portano Leonardo da Vinci all’elaborazione della prospettiva aerea e dello sfumato, adottati dai suoi epigoni. Le sperimentazioni di Bellini e Carpaccio sono premesse al tonalismo veneto, che nutre anche la straordinaria vena naturalistica dei pittori emiliani come Correggio, Dosso e Battista Dossi. Il Seicento vede il definitivo affermarsi, a partire dal Nord Europa, del paesaggio come genere autonomo. Riconoscendo alla rappresentazione un valore scientifico e un fine conoscitivo, vedute e paesaggi, ma anche scenografie teatrali, sono costruiti applicando regole prospettiche e leggi ottiche. L’ulteriore tendenza, sulla scia della pittura di Salvator Rosa e – nel Settecento – di Marco Ricci, a concepire la natura come organismo vivo e pulsante nelle sue manifestazioni più variabili e irregolari, porteranno al lirismo con cui la sensibilità dell’Ottocento si avvicinerà, nelle varie scuole nazionali e internazionali, all’ultima grande stagione della pittura di paesaggio.
4. La Natura mirabile
   Sul calare del Medioevo inizia il cammino delle discipline scientifiche moderne e si assiste allo sviluppo di un’attitudine all’osservazione acuta e alla trasposizione oggettiva delle forme della natura, che risponde alle esigenze estetiche dell’epoca. Si afferma quindi la pratica di studiare “dal vero” piante e animali, che tocca vertici assoluti nel corpus grafico di Pisanello, dove il disegno diviene vero e proprio strumento di conoscenza e si cimenta anche con le difficoltà della resa del moto. Le raffigurazioni di animali sono dunque un esercizio di “imitazione dal naturale” per rendere al meglio la verosimiglianza; nel caso del Rinoceronte di Dürer, a questa ricercata fedeltà al dato naturale si aggiunge la volontà di documentare l’aspetto di un animale esotico proveniente da luoghi remoti e che, per il suo aspetto bizzarro, suscita grande stupore. La meraviglia, la curiosità sono il criterio che informa le Wunderkammern (“camere delle meraviglie”), le cui raccolte derivano dai tesori delle chiese medievali e dagli studioli di nobili e umanisti, microcosmi completi che vogliono abbracciare tutto il visibile e il conoscibile. Parallelamente si fa strada un approccio scientifico al dato naturale, come è evidente nei fogli di Leonardo dedicati al volo degli uccelli e nelle pubblicazioni che illustrano lo sterminato “museo naturale” di Ulisse Aldrovandi, dal quale prende avvio l’atteggiamento delle moderne scienze naturali a una sistematica catalogazione delle specie naturali, che si distacca definitivamente dalla filosofia o dalla religione. Con l’utilizzo del microscopio e del telescopio, con le scoperte geografiche e soprattutto astronomiche del XVII e del XVIII secolo, il mondo conosciuto si amplia a dismisura e comporta, per scienziati e artisti, l’esigenza di misurarsi con ulteriori “meraviglie” da comprendere e documentare.
5. La Natura incombente
   Al cospetto delle manifestazioni naturali più spettacolari o impetuose, l’uomo ha da sempre provato un senso di smarrimento o, anche, di terrore. Paesaggi raffiguranti una natura selvaggia o ostile, con fenomeni atmosferici tra i più violenti, sono già presenti nella pittura del XVI secolo, come dimostrano le opere di Lorenzo Lotto e Paul Bril. Nel Seicento, gli olandesi come Jacob van Ruisdael o Pieter Mulier, non a caso chiamato il Tempesta, si dedicheranno allo studio della luce in particolari condizioni atmosferiche e precorreranno, con il loro sentire, lo spirito inquieto con il quale gli artisti delle generazioni successive si avvicineranno alla rappresentazione dei fenomeni naturali. Nel corso del Settecento e dell’Ottocento le forze indomabili che governano il creato diventano le protagoniste delle speculazioni filosofiche sul Sublime, definito da Edmund Burke “un piacevole terrore”, cioè quella tensione, in un misto di fascino e paura, di fronte alla bellezza potentissima di una Natura soverchiante. La sensibilità settecentesca e le inquietudini romantiche sceglieranno cascate – come quella della Marmore, tappa obbligata del Grand Tour e, ancora nell’Ottocento, meta privilegiata per i pittori stranieri come Camille Corot – e tempeste, cieli plumbei e minacciosi, burrasche, naufragi, eruzioni vulcaniche, come soggetti privilegiati per tele e taccuini, dove il paesaggio diventa cassa di risonanza delle emozioni umane e manifestazione visibile dell’Infinito.

La sala immersiva

Con la mostra Fratello Sole, Sorella Luna s’inaugura la sala immersiva permanente della Galleria Nazionale dell’Umbria, un momento che offre ai visitatori un’esperienza ogni volta diversa, grazie all’uso delle nuove tecnologie. In particolare, per l’occasione, è stato messo al centro della sala il Cantico delle Creature, che fa da guida per la scoperta dei dettagli delle opere d’arte, nel tentativo di riscoprire il senso di questo capolavoro della letteratura: una preghiera, ma anche un’ode alla sublime bellezza della Natura, così come appare nei capolavori in mostra.

Didascalie immagini

(courtesy Ufficio stampa Galleria Nazionale dell’Umbria – CLP 1968)